Estamos presenciando historia del cine. Toy Story 3 supone, tras WALL•E y Up, la consagración de Pixar como el estudio de referencia en la primera década del siglo XXI, los grandes contadores de historias de nuestra época.
Toy Story 3 supone un gigantesco homenaje a las fuentes de las que han bebido sus creadores, desde Regreso al Futuro hasta Star Wars, utilizado inteligentemente para contar una historia que es a la vez puro entretenimiento, y una reflexión sobre el fin de la infancia.
La película comienza aproximadamente donde terminó la anterior, con los juguetes felices jugando con Andy… para catapultarnos, como pasaba en Up, hasta la adolescencia de Andy, en la que tiene que decidir qué destino quiere para Woody, Buzz y compañía, metáforas de las decisiones vitales que acompañan a esa edad: la prolongación de la infancia (llevárselos a la Universidad), el recuerdo borroso (dejarlos en el ático), o el simple abandono de su anterior ser (donarlos a la guardería). Por avatares de la película, los juguetes terminan en la guardería, atrapados en una nueva aventura maravillosamente narrada, en la que su director demuestra el pulso aventurero que ya se vio en Monstruos S.A. y Buscando a Nemo.
Pero eso sólo pospone la decisión de Andy, que define a la perfección a todo el estudio: tomar decisiones desde una perspectiva adulta, manteniendo la imaginación y la inocencia de los niños.
En resumen, cuando hablemos del arte de esta época, tendremos un paso obligado por Andrew Stanton, Brad Bird, John Lasseter, Pete Docter y Lee Unkrich. Y por ese estudio de Emeryville que parece tener una varita mágica para convertir todo lo que toca en narrativa bella y emocionante a partes iguales.

Estirar sagas es rentable. En este negocio el concepto de marca es tan importante como en cualquiera, y la marca Shrek ha dado varios miles de millones de dólares a sus creadores. Todo nació con esa simple pero graciosa primera parte, que actualizaba el género de la animación con un humor macarra de carcajada caduca en lugar de la sonrisa perenne a la que nos tenía (tiene) acostumbrados la animación de Pixar.

En ese momento se vio el potencial de marketing del inefable ogro verde, y la saga empezó a decaer a base de centrarse en mantener la imagen de marca (humor soez, voces conocidas) por encima de unas premisas argumentales que han ido cayendo en el plagio más que en la revisión que proponía la primera parte.

Y en esto llegamos a Shrek: felices para siempre, una entrega tan innecesaria que la película termina con los personajes en el mismo momento y estado en el que la empiezan. Los guionistas juegan a una vuelta de tuerca al “Día de la Marmota”: Shrek es engañado por Rumpeltiltskin, para que abandone por un día su vida de padre amante y se pase a la de ogro feroz. Y este acepta, sin darse cuenta que todo es una estratagema para deshacerse de él y quedarse con el reino. Su única opción es deshacer el entuerto durante el día si no quiere desaparecer.

La sensación que deja la película es agria. Desde la segunda parte, se nota que no se sabe a dónde quieren llevar la historia del ogro verde, y allí dónde se quedó la primera, ahí nos hemos quedado tres películas después. Y aunque la segunda y tercera dejaban algunos chistes, esta ni siquiera tiene ese recurso. Lo único que le queda es la escasez de ideas al servicio de la imagen de marca.

Madres & hijas

Existe una inmensa moda en el cine mexicano que empieza a trasladarse a Hollywood, historias independientes que se cruzan por caprichos del destino. Todo empezó con la irregular pero tremenda Amores Perros, y alcanzó su cumbre comercial (que no artística) en Babel. El principal problema de este cine es el diferente ritmo que acompaña a las historias, y que hace que Amores Perros tenga un segmento intermedio que rompe con la película. Por ello, el trabajo del montaje se convierte en clave.

Madres & hijas se encuadra en este género. Cuenta con la presencia de un elenco de primera para contar historias sobre el cambio que sufren las personas en la maternidad, las decisiones que toman y las relaciones que se establecen. Por supuesto, la película descansa en sus personajes femeninos, una Annette Bening que está fantástica las pocas veces que la vemos en el cine, y Naomi Watts, en un papel que le viene como anillo al dedo.

El director, Rodrigo García, construye un relato en el que las historias siguen un ritmo parecido para evitar la irregularidad, y entrecruza el montaje produciendo un desenlace más previsible, pero una historia más redonda.  Sin embargo, le falta algo de contacto emocional en el primer segmento, en el que los personajes resultan generalmente antipáticos.

En resumen, una obra cumbre del cine de directores mexicanos de nueva hornada, aunque no sea decir mucho sobre la película, la primera del género quizá en la que es más importante el qué se cuenta, que el cómo. Y no es banal esto último en el cine actual, observando el escaso peso del argumento de las propuestas más exitosas de Burton o Cameron.